En 1900 nació en Algarrobito, en los llanos apureños, Ignacio Figueredo, mejor conocido como el «Indio Figueredo», considerado como el más grande arpista venezolano de todos los tiempos.
Fue un niño prodigio del arpa y un genio de la composición llegando a sumar más de 200 piezas instrumentales y serenatas. En 1914 comenzaron a escucharse sus primeras composiciones, como El gabán, que llegó a constituirse en uno de los géneros del joropo venezolano, A esa misma época corresponden otras composiciones como Las 3 damas, Guayabo negro, El verdún, El guachamarón y La periquera. En 1947, Freddy Reyna, Reinaldo Espinoza Hernández y Antonio Estévez, lo conocieron durante una presentación en Achaguas, y ante su talento, decidieron llevarlo a Caracas donde asombró y cautivó al público por su destreza en la ejecución del arpa. Fue a partir de entonces cuando comenzó a ser llamado el «Indio Figueredo».
Nace en 1935, la cantante de origen caraqueño, Morella Muñoz, recordada mezzo soprano, destacada tanto en la música lírica como en el canto popular.
En 1953 ingresó a la Escuela Superior de Música, con profesores como Inocente Carreño, Vicente Emilio Sojo y Juan Bautista Plaza. Su carrera la completó en la Academia Santa Cecilia de Roma y cursó estudios en Viena. Tenía la capacidad de interpretar en cinco idiomas cualquier género musical. A sus casi cuarenta años de trayectoria artística cantó un variado repertorio de ópera, aguinaldos, boleros, serenatas, canciones infantiles, música tradicional, clásica, religiosa, cantos indígenas y afrovenezolanos.
Su capacidad de interpretación unida a una voz excepcional la volvieron referencia obligada en las programaciones de las salas de espectáculos en Venezuela y el mundo, de manera muy particular cuando se incorporó a la agrupación Quinteto Contrapunto, grupo con el que logró sus más grandes éxitos.
Johann Sebastian Bach (IPA /joˈhan/ o /ˈjoːhan zeˈbastjan ˈbax/ en alemán) (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados).
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto, y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales.
Puede haber distintas opiniones respecto a la música, pero hay un hecho que no se puede ignorar y es que tiene un gran efecto en nuestras emociones. Cuando un niño nace, empieza a reaccionar a los diferentes sonidos de su entorno, tales como juguetes, la voz humana y otros. A veces, cuando usted ve a alguien gritando o gritar de alegría, simultáneamente lo afecta a usted también y lo llena de alegrías.
Ahora, los científicos han demostrado que la música también afecta el desarrollo del cerebro humano. Cuando un bebé nace, tiene millones de células cerebrales, las cuales crecen cada vez más fuertes. Se ha demostrado que los niños que crecen escuchando música tienen fuertes conexiones con la misma. Afecta también la forma de su pensamiento, por ejemplo, escuchar música clásica mejora el razonamiento espacial y el aprendizaje de la misma a través de un instrumento, tiene efectos sobre ciertas destrezas del pensamiento.
¿Es cierto que la música hace a uno más inteligente?
No en todas las ocasiones, ya que la música controla algunas de las células del cerebro dando una forma particular de pensar. Después de escuchar música clásica, uno puede realizar algunas actividades espaciales rápidamente, como por ejemplo, los adultos pueden resolver rompecabezas rápidamente. Esto se debe a que las vías de la música clásica son similares a las vías utilizadas en el razonamiento espacial. Escuchando música clásica, estas vías se “encienden” y están listas para ser utilizadas. Así es como se puede resolver un rompecabezas rápidamente, pero el efecto dura poco tiempo después de escuchar la música. Tocar un instrumento también mejora las habilidades espaciales; la investigación ha demostrado que el entrenamiento musical crea nuevas vías en el cerebro.
El uso de la música clásica
La estructura de la música clásica es mucho más compleja en comparación con el rock, el jazz o el pop. Un niño que escucha música clásica fácilmente descifra la estructura y reconoce cualquier música clásica que ha escuchado antes. Por lo tanto, escuchar música clásica tiene un efecto diferente en comparación con otras formas de música.
¿Cómo nutrir su niño con la música?
Usted puede ayudar a su hijo a construir el amor por la música ya sea tocándole música, cantándole a su bebé, mandarlo a clases de música, o ayudarlo a aprender de la educación musical que se le otorga en la escuela.
Abandonando su rol tradicional de tenor para asumir el de barítono, Plácido Domingo reaparece el próximo jueves en el Teatro Real interpretando la figura central de la ópera “Simon Boccanegra”, de Giusseppe Verdi, en su primera actuación en Madrid, su ciudad, tras haber superado un cáncer de colon.
“Si es posible, tengo más entusiasmo que antes. He sabido que pronto se puede acabar todo y para mí ha sido una felicidad poder recuperarme”, manifestó hoy en rueda de prensa. “Me encuentro muy bien”.
Domingo, de 69 años, fue operado a principios de marzo en Nueva York, lo que le obligó a cancelar y aplazar actuaciones previstas. “Todos avanzamos en edad y somos como los coches: hay que engrasarnos y cuidarnos”, dijo al respecto en el Teatro Real.
Admitió con entereza los malos ratos pasados. “He tenido un año muy difícil, pero tengo mucha suerte, con una operación de la que a las cinco semanas estaba recuperado”, dijo. Y aprovechó la ocasión para “recomendar a todos que se hagan sus exámenes a tiempo”.
Después del mal trago y tras ver ganar en persona a la selección española el Mundial de Sudáfrica, Domingo está en Madrid, recuperado y acompañado por un elenco “de absoluto lujo”, según definió a la rumana Angela Gheorghiu en el papel de Amelia Grimaldi y a los italianos Ferruccio Furlanetto (Japoco Fiesco) y Marcello Giordani (Gabriele Adorno).
Plácido Domingo y Angela Gheorghiu
Consciente de que no se mueve en su registro, Domingo está encantado con su papel. “Yo he tenido una carrera de tenor, pero siempre fue una ilusión muy grande interpretar Simón Boccanegra”, dijo. De hecho, llegó a pensar que sería su “último rol”, pero su agenda está llena de compromisos musicales después de su paso por la capital española.
“Yo no soy barítono. No pretendo serlo. Canto con mi voz”, dijo sobre una interpretación que el pasado octubre le valió en la Staatsoper de Berlín 25 minutos de aplausos y que también llevó a Milán, Nueva York y Londres. Ahora la encara con “ciertos nervios” ante el que considera su público más cercano, el de Madrid, que podrá verlo y escucharlo los días 22, 25 y 28 de este mes. “Siempre quieres darle más gusto”.
El montaje despide la temporada en el Teatro Real, la última antes de que el belga Gérard Mortier asuma las riendas como director artístico. La función del domingo 25 de julio será retransmitida en directo por una pantalla gigante colocada en la Plaza de Oriente. Y después, Domingo, Gheorghiu y el resto del elenco saldrán al balcón para saludar a quienes la hayan seguido desde allí.
La cantante rumana, quien ya dio en el pasado un concierto en el Teatro Real, pero para quien su papel de Amelia significa su debut operístico en el coso madrileño, se deshizo hoy en elogios al “maestro”.
“Estoy feliz de cantar con Plácido”, dijo. “Cuando empecé a pensar que podía ser cantante, yo sabía que el tenor por excelencia era Plácido Domingo y me produce una grandísima ternura cantar este rol con él”.
La orquesta Los Melódicos, fundada el 15 de julio de 1958 por Renato Capriles, surge como alternativa a raíz de la desaparición en aquel momento de la orquesta Billo’s Caracas Boys de hecho arranca en su mayoría con arreglos hechos especialmente para Los Melódicos por el maestro Billo Frómeta.
La Orquesta Los Melódicos, con 18 músicos, debuta en «Su Revista Musical», programa que semanalmente era transmitído por Radio Caracas Televisión y el cual sirvió de trampolín para que la orquesta se presentara en los mejores sitios de Caracas.
Por la orquesta Los Melódicos ha pasado un gran número de cantantes entre los cuales podemos nombrar además de Victor Piñero y German Vergara quienes fueron sus primeros vocalistas a Niro Keller, Chucho Labrador, Norma López, Emilita Dago, Manolo Monterrey, Rafa Galindo, Willy Quintero, Oscar Santana, Lee Palmer, Chico Salas, Doris Salas, Perucho Navarro, Molly Dick, Tino Rodríguez, Cheo García, Gustavo Farrera, Argenis Carruyo, Roberto Antonio, Iona, Ildemaro entre otros.
Los Melódicos en su extensa trayectoria ha sido merecedora en repetidas ocasiones de numerosos premios otorgados tanto en Venezuela como en el exterior y ha recibido el título de «la orquesta que impone el ritmo en América».
El compositor y director Kryztof Penderecki es un hombre de talante sobrio. Varias experiencias musicales en Venezuela, o con venezolanos en otros países, han hecho que cambie esa sobriedad por una emoción al filo de la palabra desborde. Este domingo 20 de junio, volvió a sucederle. Se cumplió uno de sus más grandes anhelos: llevar a la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar y a Gustavo Dudamel a Polonia, su país, pero además sus ojos se pusieron de un cristalino delatador cuando escuchó a José Antonio Abreu anunciar la creación, el año que viene, del primer “Festival Sinfónico Coral Kryztof Penderecki”
Después de un concierto en el Gran Teatro Nacional de la Ópera de Varsovia, en el que los venezolanos lograron levantar de sus asientos a un público tan exigente que se ha llegado a ir de la sala sin aplaudir, el maestro Abreu señaló: “Vinimos a saludar al pueblo y a la juventud de Polonia y a saludar a este excelentísimo maestro (Refiriéndose a Penderecki) de la música contemporánea, que ha dado a nuestros muchachos el regalo inconmensurable de su arte”.
Agasajo en el Gran Teatro Nacional de la Ópera de Varsovia
“En consecuencia no hay palabras para agradecer suficientemente al maestro. Por eso, el próximo año tendremos en nuestro país un encuentro sinfónico coral sin precedentes: el Festival Penderecki de Venezuela, donde participarán nuestros niños, jóvenes y maestros para rendirle un merecido tributo. En el festival, que será extensivo a toda Latinoamérica e Iberoamérica vamos a ejecutar varias obras del maestro, en espacial una que está escribiendo en homenaje a Chopin y que será un honor cantar”, agregó el maestro Abreu.
En la primera parte tocaron repertorio latinoamericano integrado por Margariteña de Inocente Carreño y Danzas del Ballet Estancia, de Alberto Ginastera, que han venido interpretando en la gira Europa 2010. Por primera vez en Polonia se escuchó el Mambo de Leonard Bernstein, que los espectadores recibieron con furor, luego de haber escuchado tres bis.
Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar
Los venezolanos el sábado 19 de junio a Polonia y este lunes 21, a primera hora, estarán montados en un vuelo que los llevará Grecia, específicamente a Atenas donde ofrecerán cuatro conciertos, uno de la orquesta, otro del Ensamble de Metales y otros dos a cargo del Ensamble de Flautas Simón Bolívar y el Cuarteto de Cuerdas Simón Bolívar.
El jueves 24 de junio participarán en el Festival de Música y Danza de Granada, última parada de la gira que ha llevado el nombre de Venezuela a otras ciudades como Gotemburgo y Estocolmo (Suecia), Oslo (Noruega), San Petersburgo y Moscú (Rusia).
Richard Strauss fue un compositor alemán nacido en Munich en el año 1864 y falleció en Garmisch-Partenkirchen en 1949. Ocupa un lugar de gran relieve en la historia musical de nuestro tiempo, en la que representa las postreras ramificaciones del romanticismo. Hijo de un solista de la orquesta de la ópera de Munich, empezó a aprender música a los cuatro años de edad. A los siete años escribía sus primeras composiciones. En 1875 tomó sus primeras lecciones de composición de W. Meyer. Desde 1874 a 1882 cursó la segunda enseñanza y luego se matriculó en la Universidad.
Hans von Bülow le llamó en 1885 para colaborar con él en la dirección del teatro de corte de Meiningen. Allí trabó amistad con A. Ritter, que ejerció una influencia decisiva en el joven músico y le convirtió al arte de Liszt y de Wagner. En 1886, después de un viaje a Italia, Strauss fue nombrado director adjunto de la ópera de Munich. Durante aquellos años compuso numerosos lieder y los poemas sinfónicos Macbeth y Don Juan. De 1889 a 1894 fue director de orquesta en el teatro de Weimar; de esta época datan el poema sinfónico Muerte y transfiguración y su primera obra teatral: Guntram.
Después de viajar por Grecia, Egipto y Sicilia (1892-93), Strauss fue sucesivamente director de la Ópera de Munich y de la de Berlín (1898-1919). Sus notables poemas sinfónicos ya le habían dado celebridad cuando afirmó con Salomé su concepción «sinfónica» de la obra teatral, que ilustró con producciones posteriores. Strauss, que como director de orquesta triunfó en las grandes capitales del mundo entero, fue codirector de la ópera de Viena desde 1919 a 1924. Pasó sus últimos años en Garmisch, donde murió.
El título de director de música es utilizado por muchas orquestas sinfónicas para designar al director principal y al líder artístico de la orquesta. Este título es empleado principalmente en Norteamérica y Asia. En Europa son más comunes los títulos de “director principal” o “primer director”.
En el teatro musical, el director de música está a cargo de toda la interpretación musical, eso incluye que debe asegurarse de que el elenco conozca la música a la perfección, de supervisar la interpretación musical de los intérpretes y del foso de la orquesta, y por supuesto de dirigir la orquesta.
En el siglo XX, el título y la posición conllevan una influencia casi ilimitada sobre los asuntos particulares de la orquesta. Como el nombre lo indica, el director de música no sólo dirige los conciertos, sino que también controla qué música interpretará la orquesta durante una grabación, y tiene la suficiente autoridad como para contratar, despedir y tomar cualquier otra decisión concerniente al personal de los músicos de la orquesta.
Este calificativo se volvió bastante común en los Estados Unidos a mediados del siglo XX, y a este le siguieron otros títulos. Los tempranos líderes de orquesta eran designados simplemente como el “director”. Recordemos al célebre Herbert von Karajan que dirigió durante muchos años la filarmónica de Berlín o a Colin Davis, George Solti o John Eliot Gardiner en Londres.
El término director musical comenzó a ser utilizado a partir de 1930, en orden de esbozar el hecho de que la persona en dicha posición estaba haciendo mucho más que sólo dirigir, y para diferenciarlo de los directores invitados quienes simplemente dirigían un programa en particular o un concierto.
George Szell, por ejemplo, fue designado como director musical de la Orquesta de Clevelan en 1946, y este título se mantuvo hasta su muerte en 1970. En cambio, su sucesor Lorin Maazel, tomó el título de “director de música”.
Otras grandes orquestas americanas, de las cuales uno de los más grandes directores es Michael Tilson Thomas, se volvieron más actuales y comenzaron a utilizar este término a partir de las décadas de los 50s y los 60s. Alternativamente, “director de música” solía aparecer en los créditos de las películas para referirse al profesional contratado para supervisar y dirigir la música seleccionada para una película o un documental musical, pero hoy en día el término empleado es supervisor musical. La expresión “director de música” para una producción teatral o un musical de Broadway sirve usualmente para referirse tanto al pianista como al director.
Guiada por la batuta del maestro Gustavo Dudamel, la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, perteneciente al Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela -auspiciado por la Vicepresidencia de la República Bolivariana de Venezuela-, está lista para emprender una gira por Europa desde mañana hasta el 26 de junio. En atención a las reiteradas invitaciones hechas por las autoridades culturales de las naciones anfitrionas, por primera vez, los venezolanos tocarán en ciudades como Gotemburgo y Estocolmo, Oslo, San Petersburgo y Moscú, Varsovia, Atenas y Granada.
Los músicos llevan un repertorio variado y rico en sonoridades. En cada ciudad interpretarán obras latinoamericanas, específicamente la pieza Margariteña (Variaciones Sinfónicas), del venezolano Inocente Carreño y Danzas del Ballet La Estancia, del argentino Alberto Ginastera. El programa incluye a grandes clásicos de la historia de la música universal como la Sinfonía n° 5 en do menor, Op. 67, del compositor alemán Ludwig van Beethoven, la Sinfonía n° 4 en fa menor, Op 36, de Piotr Ilich Tchaikovsky y La Consagración de la Primavera de Igor Stravinsky, también de origen ruso.
Pedro Luís Martín Olivares 