Polonia se pone de pie ante la Sinfónica Simón Bolívar

Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar

El compositor y director Kryztof Penderecki es un hombre de talante sobrio. Varias experiencias musicales en Venezuela, o con venezolanos en otros países, han hecho que cambie esa sobriedad por una emoción al filo de la palabra desborde. Este domingo 20 de junio, volvió a sucederle. Se cumplió uno de sus más grandes anhelos: llevar a la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar y a Gustavo Dudamel a Polonia, su país, pero además sus ojos se pusieron de un cristalino delatador cuando escuchó a José Antonio Abreu anunciar la creación, el año que viene, del primer “Festival Sinfónico Coral Kryztof Penderecki”

Después de un concierto en el Gran Teatro Nacional de la Ópera de Varsovia, en el que los venezolanos lograron levantar de sus asientos a un público tan exigente que se ha llegado a ir de la sala sin aplaudir, el maestro Abreu señaló: “Vinimos a saludar al pueblo y a la juventud de Polonia y a saludar a este excelentísimo maestro (Refiriéndose a Penderecki) de la música contemporánea, que ha dado a nuestros muchachos el regalo inconmensurable de su arte”.

Agasajo en el Gran Teatro Nacional de la Ópera de Varsovia

“En consecuencia no hay palabras para agradecer suficientemente al maestro. Por eso, el próximo año tendremos en nuestro país un encuentro sinfónico coral sin precedentes: el Festival Penderecki de Venezuela, donde participarán nuestros niños, jóvenes y maestros para rendirle un merecido tributo. En el festival, que será extensivo a toda Latinoamérica e Iberoamérica vamos a ejecutar varias obras del maestro, en espacial una que está escribiendo en homenaje a Chopin y que será un honor cantar”, agregó el maestro Abreu.

En la primera parte tocaron repertorio latinoamericano integrado por Margariteña de Inocente Carreño y Danzas del Ballet Estancia, de Alberto Ginastera, que han venido interpretando en la gira Europa 2010. Por primera vez en Polonia se escuchó el Mambo de Leonard Bernstein, que los espectadores recibieron con furor, luego de haber escuchado tres bis.

Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar

Los venezolanos el sábado 19 de junio a Polonia y este lunes 21, a primera hora, estarán montados en un vuelo que los llevará Grecia, específicamente a Atenas donde ofrecerán cuatro conciertos, uno de la orquesta, otro del Ensamble de Metales y otros dos a cargo del Ensamble de Flautas Simón Bolívar y el Cuarteto de Cuerdas Simón Bolívar.

El jueves 24 de junio participarán en el Festival de Música y Danza de Granada, última parada de la gira que ha llevado el nombre de Venezuela a otras ciudades como Gotemburgo y Estocolmo (Suecia), Oslo (Noruega), San Petersburgo y Moscú (Rusia).

Por: Pedro Luis Martín Olivares

Josh Groban: el gran barítono de la nueva generación

Josh Groban

Joshua Winslow Groban (Los Ángeles, 27 de febrero de 1981) es un cantautor y barítono estadounidense.

Su padre tiene ascendencia judía rusopolaca y se convirtió al cristianismo para casarse con su madre de ascendencia noruega. Tiene un hermano nacido el mismo día que él, pero cuatro años después.

Debutó como cantante en séptimo grado del colegio y entre 1997/98 asistió al centro Interlochen Arts Camp siguiendo cursos de teatro musical, y a Los Angeles County High School for the Arts. Además, en 1998 conoció a su mentor David Foster (productor, escritor, arreglista y ganador de múltiples premios Grammy). Más tarde, se licenció en arte dramático en la Universidad Carnegie Mellon y un año después lo contrató Warner Bros. Records gracias a David Foster.

Poco después interpretó «There For Me» con Sarah Brightman y «For Always» con Lara Fabian para la película «Inteligencia Artificial». Asimismo, comenzó a participar en numerosos espectáculos benéficos como «The Andre Agassi Grand Slam Event For Children», junto a Elton John, Stevie Wonder, Don Henley y Robin Williams, The Corrs o Ronan Keating; «Muhammad Ali’s Fight Night Foundation»; «The Family Celebration» (2001) para la lucha contra el cáncer; e hizo una incursión en la televisión en un capítulo de Ally McBeal.

Su primer disco salió en 2001, Josh Groban y el año siguiente consiguió un disco de oro. En febrero de 2002, actuó en la ceremonia de clausura de los juegos olímpicos de invierno con «The Prayer» con Charlotte Church; en noviembre de este año apareció en un especial en la PBS y en diciembre cantó en el concierto del premio Nobel de la paz en Oslo y en el Vaticano para el concierto de navidad. Noel fué el disco más vendido del 2007 con más de 3.500.000 copias.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

En un día como hoy nació Richard Strauss

Richard Strauss

Richard Strauss fue un compositor alemán nacido en Munich en el año 1864 y falleció en Garmisch-Partenkirchen en 1949. Ocupa un lugar de gran relieve en la historia musical de nuestro tiempo, en la que representa las postreras ramificaciones del romanticismo. Hijo de un solista de la orquesta de la ópera de Munich, empezó a aprender música a los cuatro años de edad. A los siete años escribía sus primeras composiciones. En 1875 tomó sus primeras lecciones de composición de W. Meyer. Desde 1874 a 1882 cursó la segunda enseñanza y luego se matriculó en la Universidad.

Hans von Bülow le llamó en 1885 para colaborar con él en la dirección del teatro de corte de Meiningen. Allí trabó amistad con A. Ritter, que ejerció una influencia decisiva en el joven músico y le convirtió al arte de Liszt y de Wagner. En 1886, después de un viaje a Italia, Strauss fue nombrado director adjunto de la ópera de Munich. Durante aquellos años compuso numerosos lieder y los poemas sinfónicos Macbeth y Don Juan. De 1889 a 1894 fue director de orquesta en el teatro de Weimar; de esta época datan el poema sinfónico Muerte y transfiguración y su primera obra teatral: Guntram.

Después de viajar por Grecia, Egipto y Sicilia (1892-93), Strauss fue sucesivamente director de la Ópera de Munich y de la de Berlín (1898-1919). Sus notables poemas sinfónicos ya le habían dado celebridad cuando afirmó con Salomé su concepción “sinfónica” de la obra teatral, que ilustró con producciones posteriores. Strauss, que como director de orquesta triunfó en las grandes capitales del mundo entero, fue codirector de la ópera de Viena desde 1919 a 1924. Pasó sus últimos años en Garmisch, donde murió.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

La mayor autoridad musical: el director de orquesta

Director de orquesta

El título de director de música es utilizado por muchas orquestas sinfónicas para designar al director principal y al líder artístico de la orquesta. Este título es empleado principalmente en Norteamérica y Asia. En Europa son más comunes los títulos de “director principal” o “primer director”.

En el teatro musical, el director de música está a cargo de toda la interpretación musical, eso incluye que debe asegurarse de que el elenco conozca la música a la perfección, de supervisar la interpretación musical de los intérpretes y del foso de la orquesta, y por supuesto de dirigir la orquesta.

En el siglo XX, el título y la posición conllevan una influencia casi ilimitada sobre los asuntos particulares de la orquesta. Como el nombre lo indica, el director de música no sólo dirige los conciertos, sino que también controla qué música interpretará la orquesta durante una grabación, y tiene la suficiente autoridad como para contratar, despedir y tomar cualquier otra decisión concerniente al personal de los músicos de la orquesta.

Este calificativo se volvió bastante común en los Estados Unidos a mediados del siglo XX, y a este le siguieron otros títulos. Los tempranos líderes de orquesta eran designados simplemente como el “director”.  Recordemos al célebre Herbert von Karajan que dirigió durante muchos años la filarmónica de Berlín o a Colin Davis, George Solti o John Eliot Gardiner en Londres.

El término director musical comenzó a ser utilizado a partir de 1930, en orden de esbozar el hecho de que la persona en dicha posición estaba haciendo mucho más que sólo dirigir, y para diferenciarlo de los directores invitados quienes simplemente dirigían un programa en particular o un concierto.

George Szell, por ejemplo, fue designado como director musical de la Orquesta de Clevelan en 1946, y este título se mantuvo hasta su muerte en 1970. En cambio, su sucesor Lorin Maazel, tomó el título de “director de música”.

Otras grandes orquestas americanas, de las cuales uno de los más grandes directores es Michael Tilson Thomas, se volvieron más actuales y comenzaron a utilizar este término a partir de las décadas de los 50s y los 60s. Alternativamente, “director de música” solía aparecer en los créditos de las películas para referirse al profesional contratado para supervisar y dirigir la música seleccionada para una película o un documental musical, pero hoy en día el término empleado es supervisor musical. La expresión “director de música” para una producción teatral o un musical de Broadway sirve usualmente para referirse tanto al pianista como al director.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

Gustavo Dudamel y la Sinfónica Simón Bolívar de gira por Europa

Gustavo Dudamel

Guiada por la batuta del maestro Gustavo Dudamel, la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, perteneciente al Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela -auspiciado por la Vicepresidencia de la República Bolivariana de Venezuela-, está lista para emprender una gira por Europa desde mañana hasta el 26 de junio. En atención a las reiteradas invitaciones hechas por las autoridades culturales de las naciones anfitrionas, por primera vez, los venezolanos tocarán en ciudades como Gotemburgo y Estocolmo, Oslo, San Petersburgo y Moscú, Varsovia, Atenas y Granada.

Los músicos llevan un repertorio variado y rico en sonoridades. En cada ciudad interpretarán obras latinoamericanas, específicamente la pieza Margariteña (Variaciones Sinfónicas), del venezolano Inocente Carreño y Danzas del Ballet La Estancia, del argentino Alberto Ginastera. El programa incluye a grandes clásicos de la historia de la música universal como la Sinfonía n° 5 en do menor, Op. 67, del compositor alemán Ludwig van Beethoven, la Sinfonía n° 4 en fa menor, Op 36, de Piotr Ilich Tchaikovsky y La Consagración de la Primavera de Igor Stravinsky, también de origen ruso.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

Valdemar Rodríguez: referente en la cátedra latinoamericana de clarinete

Valdemar Rodriguez

Rostros de El Sistema presenta la trayectoria de Valdemar Rodríguez, clarinetista, maestro y gerente en la Fundación del Estado para el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela. Con una vida dedicada a la música y a Valdemar Rodríguez es considerado un ejemplo a seguir, y un referente en la cátedra latinoamericana de clarinete.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

Nuestro tío Simón fue dado de alta

Simón Díaz

El maestro Simón Díaz fue dado de alta en horas de la noche de este lunes, luego de una complicación respiratoria que sufrió el pasado sábado y lo mantuvo hospitalizado en el Urológico de San Román en Caracas.

Se informó que el maestro Simón Díaz continuará con el tratamiento en su casa para reponerse completamente de este quebranto de salud.

Esta información fue confirmada por su hija Betsimar Díaz.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

Se nos fue Hank Jones: el decano de los pianistas de jazz

Hank Jones

El músico estadounidense Hank Jones, conocido como “el decano de los pianistas de jazz” y admirado por su trabajo junto a figuras como Ella Fitzgerald, falleció en Nueva York a los 91 años, informó su representante.

Jones, famoso también por acompañar al piano a Marilyn Monroe mientras ésta le deseaba un feliz cumpleaños cantado al presidente John F. Kennedy en 1962, murió el domingo tras una breve enfermedad en el hospital neoyorquino donde estaba ingresado, según explicó a Efe su mánager, Jean-Pierre Leduc.

El conocido pianista, nacido en Misisipi en 1918, permanecía aún en activo tras siete décadas sobre los escenarios e incluso tenía previstas varias actuaciones junto a otros músicos para finales de este mes en el conocido club Birdland de Nueva York, uno de los templos del jazz de la Gran Manzana, informó Leduc.

Durante casi tres décadas, Jones, respetado por sus compañeros de profesión por su gran creatividad y versatilidad, se especializó como acompañante de grandes voces, como Ella Fitzgerald (1917-1996), y ejercitó su pasión por la música en varios programas de radio y televisión, aunque también se destacó como músico de estudio.

Esos trabajos le otorgaron un segundo plano que empezó a fundirse cuando Jones cumplió los 60 años, una época en la que empezó a ofrecer actuaciones con su propio nombre en cartel y a liderar varios tríos que consiguieron el apoyo del público y la crítica neoyorquinos, y con los que viajó por medio mundo.

En esa época unió fuerzas con el bajista Ron Carter y Tony Williams, quienes provenían del quinteto de Miles Davis (1926-1991), para formar el llamado Great Jazz Trio en 1976, un grupo que fue cambiando de integrantes a lo largo de los años.

En las dos últimas décadas, Jones aprovechó para grabar multitud de álbumes y colaboraciones en directo y, según su página web, apareció en más de quinientos discos en solitario y junto a las figuras más importantes del jazz de su tiempo.

Miembro de una familia de músicos de este género, en la que se destacaban sus hermanos Thad y Elvin, Jones recibió numerosos galardones a lo largo de una carrera en la que firmó cinco nominaciones a los Grammy, cuya organización lo premió en 2009 con el galardón a toda una carrera.

Jones fue premiado asimismo en 1996 con el premio Donostiako Jazzaldia, el galardón del Festival de Jazz de San Sebastián (España).

Por: Pedro Luis Martín Olivares

David Garrett es violinista y modelo

David Garrett

David Garrett (nacido en 1981 en Aquisgrán, Alemania) es un violinista y modelo. Cuenta Pedro Luis Martín Olivares que recibió las primeras lecciones musicales de parte de su padre, que había comprado un violín para su hermano mayor cuando David sólo contaba cuatro años de edad. Le interesó y pronto aprendió a tocar. Enseguida se convirtió en alumno del conservatorio de Lübeck y más tarde fue a Berlín. Entre 1990 y 1991 tuvo como profesor a Zakhar Bron y desde 1992 a la violinista polaco-británica Ida Haendel.

A los trece años de edad firmó un contrato con la discográfica Deutsche Grammophon Gesellschaft, la cual según Pedro Luis Martín se asegura su exclusividad. También con esa edad fue cuando se decidió a cambiar su nombre artístico y tomó el apellido de su madre en vez del paterno.

Desde el año 1999, y contra el deseo de su padre, fue alumno de la prestigiosa Juilliard School, en la clase de Itzhak Perlman, para profundizar en sus conocimientos del violín. Salió graduado de allí en el año 2004.

Alega Pedro Luis Martín Olivares que Garrett toca alternativamente un violín de Antonio Stradivari de 1718 y uno de Giovanni Battista Guadagnini de 1772.

Mientras estudiaba en la Juilliard School en Nueva York, Garrett acompañó las clases con el trabajo de modelo para incrementar sus ganancias. Algunos críticos de moda le describen como el David Beckham de la escena clásica.

Carl Orff es creador de Carmina Burana

Carl Orff

Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 — Múnich, 29 de marzo de 1982). Fue un compositor alemán. Dice Pedro Luis Martín Olivares que estudió música en la Akademie der Tonkunst, su ciudad natal, y composición desde 1920 dirigió algunos teatros y en 1924 fundó junto a la bailarina Dorothea Günther una academia para enseñar música y baile a niños. Desde los comienzos dedicó su investigación acerca de la naturaleza del sonido y del ritmo, así como de las relaciones entre música y movimientos corporales. Resultado de estos estudios fueron sus teorías sobre la enseñanza de la música, que expuso en una obra titulada Schulwerk (Trabajo escolar), en la que se concede especial importancia a la educación musical de los niños.

Orff es sobre todo conocido por Carmina Burana, obra que según Pedro Luis Martín Olivares se estrenó en Frankfurt del Meno en 1938. Se trata de una cantata escénica. Es la primera de una trilogía que también incluía Catulli Carmina (1943) y Trionfo di Afrodita, que reflejaba su interés por la poesía alemana medieval y por la lírica grecolatina, ya que la letra de los Catulli Carmina es obra de Cayo Valerio Catulo (el prólogo y el epílogo sí son creación de Orff) y Trionfo di Afrodita es una selección de textos de Catulo, Sapho y Eurípides.

A pesar de la «modernidad» que hay en algunas de sus técnicas de composición, comenta Pedro Luis Martín Olivares que Orff es capaz de capturar, en la trilogía, el espíritu de la Edad Media con ritmos contundentes, pegadizos y armonías elementales. Los poemas medievales, escritos en una antigua forma de alemán y en latín, eran frecuentemente de carácter lúdico, a veces picantes pero sin ser nunca obscenos.