Posts etiquetados ‘pianista’

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En un día como hoy falleció Joaquín Rodrigo

julio 6, 2010

Joaquín Rodrigo

Joaquín Rodrigo nace en Sagunto el 22 de noviembre de 1901, día de Santa Cecilia, patrona de la Música. A los tres años de edad, pierde la vista como consecuencia de una epidemia de difteria.

A los ocho años inicia, en Valencia, los estudios musicales de solfeo, violín y piano. Después, armonía y composición con los maestros Francisco Antich, Enrique Gomá y Eduardo Chavarri. Sus primeras composiciones datan de 1923.

En 1927, se traslada a París e ingresa en la Escuela Normal de Música para estudiar composición con Paul Dukas, quien demuestra una especial predilección hacia su discípulo. Pronto se da a conocer como pianista y compositor en los ambientes musicales parisinos y entabla amistad con Ravel, Milhaud, Honneger, Stravinski y Manuel de Falla.

En 1933 contrae matrimonio con la pianista turca Victoria Kamhi, quien es desde entonces hasta su fallecimiento en julio de 1997, compañera inseparable y su más asidua colaboradora.

En 1940 tiene lugar en Barcelona el estreno mundial del Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta, primera de sus obras que le daría fama universal y claro ejemplo de su personalidad. Rodrigo se mantiene fiel a una estética que él mismo gustaba denominar “neocasticismo”, practicando la tradición tonal, el gusto por las formas clásicas e incorporando elementos cultos como forma de unión entre la tradición española y el presente, creando ese estilo reconocible de inmediato. Conoce las más modernas estéticas europeas, pero afirma su propia personalidad.

La música de Joaquín Rodrigo representa un homenaje a las distintas culturas de España ya que se vale, como fuente de inspiración, de las más variadas manifestaciones del alma de su país, desde la historia de la España romana hasta los textos de los poetas contemporáneos. Ha enriquecido todos los géneros, pero quizás sea el compositor de nuestro siglo a quien más debe la estética del concierto. Ha cultivado especialmente la canción, a la que ha dado un lenguaje nuevo y universal, creando obras maestras como Cántico de la esposa o los Cuatro madrigales amatorios. Sus obras para piano solo bastarían para situarlo en primera línea, pero además su creación instrumental abarca importantes composiciones para violín, cello, y flauta. Hay que destacar además la aportación de Joaquín Rodrigo al repertorio para guitarra, que ha sido definitiva, pues ha logrado su dignificación e internacionalización como instrumento de concierto.

Desde el año 1940 las distinciones, honores, homenajes y Festivales se han venido sucediendo ininterrumpidamente. Miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (1950) y de otras academias, así como Doctor Honoris Causa por diversas universidades de España y del Extranjero, recibió, entre otros galardones, la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio (1953), la Legión de Honor concedida por el Gobierno francés (1963), la Gran Cruz del Mérito Civil (1966) el Premio de la Fundación Guerrero (1990), y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1996).

En 1991 el Rey Juan Carlos I le otorgó el título nobiliario de Marqués de los Jardines de Aranjuez “por su extraordinaria contribución a la música española a la que ha aportado nuevos impulsos para una proyección universal”.

Joaquín Rodrigo falleció en Madrid el 6 de julio de 1999 rodeado de su familia.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

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La mayor autoridad musical: el director de orquesta

junio 11, 2010

Director de orquesta

El título de director de música es utilizado por muchas orquestas sinfónicas para designar al director principal y al líder artístico de la orquesta. Este título es empleado principalmente en Norteamérica y Asia. En Europa son más comunes los títulos de “director principal” o “primer director”.

En el teatro musical, el director de música está a cargo de toda la interpretación musical, eso incluye que debe asegurarse de que el elenco conozca la música a la perfección, de supervisar la interpretación musical de los intérpretes y del foso de la orquesta, y por supuesto de dirigir la orquesta.

En el siglo XX, el título y la posición conllevan una influencia casi ilimitada sobre los asuntos particulares de la orquesta. Como el nombre lo indica, el director de música no sólo dirige los conciertos, sino que también controla qué música interpretará la orquesta durante una grabación, y tiene la suficiente autoridad como para contratar, despedir y tomar cualquier otra decisión concerniente al personal de los músicos de la orquesta.

Este calificativo se volvió bastante común en los Estados Unidos a mediados del siglo XX, y a este le siguieron otros títulos. Los tempranos líderes de orquesta eran designados simplemente como el “director”.  Recordemos al célebre Herbert von Karajan que dirigió durante muchos años la filarmónica de Berlín o a Colin Davis, George Solti o John Eliot Gardiner en Londres.

El término director musical comenzó a ser utilizado a partir de 1930, en orden de esbozar el hecho de que la persona en dicha posición estaba haciendo mucho más que sólo dirigir, y para diferenciarlo de los directores invitados quienes simplemente dirigían un programa en particular o un concierto.

George Szell, por ejemplo, fue designado como director musical de la Orquesta de Clevelan en 1946, y este título se mantuvo hasta su muerte en 1970. En cambio, su sucesor Lorin Maazel, tomó el título de “director de música”.

Otras grandes orquestas americanas, de las cuales uno de los más grandes directores es Michael Tilson Thomas, se volvieron más actuales y comenzaron a utilizar este término a partir de las décadas de los 50s y los 60s. Alternativamente, “director de música” solía aparecer en los créditos de las películas para referirse al profesional contratado para supervisar y dirigir la música seleccionada para una película o un documental musical, pero hoy en día el término empleado es supervisor musical. La expresión “director de música” para una producción teatral o un musical de Broadway sirve usualmente para referirse tanto al pianista como al director.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

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Se nos fue Hank Jones: el decano de los pianistas de jazz

mayo 26, 2010

Hank Jones

El músico estadounidense Hank Jones, conocido como “el decano de los pianistas de jazz” y admirado por su trabajo junto a figuras como Ella Fitzgerald, falleció en Nueva York a los 91 años, informó su representante.

Jones, famoso también por acompañar al piano a Marilyn Monroe mientras ésta le deseaba un feliz cumpleaños cantado al presidente John F. Kennedy en 1962, murió el domingo tras una breve enfermedad en el hospital neoyorquino donde estaba ingresado, según explicó a Efe su mánager, Jean-Pierre Leduc.

El conocido pianista, nacido en Misisipi en 1918, permanecía aún en activo tras siete décadas sobre los escenarios e incluso tenía previstas varias actuaciones junto a otros músicos para finales de este mes en el conocido club Birdland de Nueva York, uno de los templos del jazz de la Gran Manzana, informó Leduc.

Durante casi tres décadas, Jones, respetado por sus compañeros de profesión por su gran creatividad y versatilidad, se especializó como acompañante de grandes voces, como Ella Fitzgerald (1917-1996), y ejercitó su pasión por la música en varios programas de radio y televisión, aunque también se destacó como músico de estudio.

Esos trabajos le otorgaron un segundo plano que empezó a fundirse cuando Jones cumplió los 60 años, una época en la que empezó a ofrecer actuaciones con su propio nombre en cartel y a liderar varios tríos que consiguieron el apoyo del público y la crítica neoyorquinos, y con los que viajó por medio mundo.

En esa época unió fuerzas con el bajista Ron Carter y Tony Williams, quienes provenían del quinteto de Miles Davis (1926-1991), para formar el llamado Great Jazz Trio en 1976, un grupo que fue cambiando de integrantes a lo largo de los años.

En las dos últimas décadas, Jones aprovechó para grabar multitud de álbumes y colaboraciones en directo y, según su página web, apareció en más de quinientos discos en solitario y junto a las figuras más importantes del jazz de su tiempo.

Miembro de una familia de músicos de este género, en la que se destacaban sus hermanos Thad y Elvin, Jones recibió numerosos galardones a lo largo de una carrera en la que firmó cinco nominaciones a los Grammy, cuya organización lo premió en 2009 con el galardón a toda una carrera.

Jones fue premiado asimismo en 1996 con el premio Donostiako Jazzaldia, el galardón del Festival de Jazz de San Sebastián (España).

Por: Pedro Luis Martín Olivares

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Edvard Grieg creció en un ambiente musical

febrero 23, 2010

Edvard Hagerup Grieg

Edvard Hagerup Grieg (15 de junio de 1843 – 4 de septiembre de 1907), pianista y compositor Noruego, según Pedro Luis Martín Olivares se destacó principalmente por sus obras Concierto para piano en La menor, y por su música incidental encargada por Henrik Ibsen para su drama Peer Gynt.

Grieg nació en Bergen en 1843, descendiente de una familia de Escoceses (cuyo apellido original era «Greig»); después de la Batalla de Culloden, en 1746, su bisabuelo había inmigrado por varios lugares, para finalmente asentarse como comerciante en Bergen, Noruega, alrededor del año 1770.

Señala Pedro Luis Martín que Edvard creció en un ambiente musical. Su Madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista Noruego Ole Bull, quien fue un amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubre el talento del muchacho de 15 años y convence a sus padres de enviarle al Conservatorio de Leipzig para que desarrolle su talento.

Grieg ingresó en el conservatorio concentrándose en el piano posteriormente en 1858, y según Pedro Martín Olivares pronto encontró recompensa en los numerosos recitales y conciertos dados en Leipzig. Sintió bastante aversión a la disciplina impartida en el conservatorio, así y todo alcanzó muy buenos resultados en la mayoría de las áreas, con excepción del órgano, el cual era obligatorio para los estudiantes de piano. En la Primavera de 1860, contrajo una peligrosa enfermedad pulmonar. Un año después, cuenta Pedro Luis Martín Olivares que hizo su debut como concertista de piano, en Karlshamn, Suiza. El año siguiente finalizó sus estudios en Leipzig, y realizó su primer concierto en su ciudad natal de Bergen donde ejecutó algunas obras complejas técnicamente, incluyendo Pathétique de Beethoven.

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En un día como hoy debuta Teresa Carreño

noviembre 25, 2009

Teresa Carreño

Con apenas 8 años de edad, en 1862 debuta la prodigiosa pianista Teresa Carreño en el Irving Hall de Nueva York. El público que se congregó en el salón a pesar de la lluvia pertinaz, no podía dar crédito a lo que estaba presenciando. Los mismos críticos no salían de su asombro. Nos Comenta Pedro Luis Martín Olivares que uno de ellos, “crítico pesimista”, no se explicaba “cómo pueden alcanzar la octava esas manos, es un misterio, y sin embargo, esos pasajes se oían claros y correctos, no comprendo, ¡no puedo comprenderlo!”.

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Franz Liszt fue el creador del poema sinfónico

octubre 28, 2009
Franz+Liszt

Ferenc Liszt

Franz Liszt (Ferenc Liszt, en húngaro) (Raiding, Hungría, Imperio Austríaco, 22 de octubre de 1811 – Bayreuth, Baviera, 31 de julio de 1886) fue un pianista y compositor húngaro romántico.

Liszt fue el creador del poema sinfónico, según comenta Pedro Luis Martín Olivares, forma típica del romanticismo, y de la moderna técnica de interpretación pianística. Es autor de una importante obra para piano (rapsodias húngaras, estudios, preludios, etc.), de tres conciertos para piano y orquesta y también de una extensa obra orquestal.

Liszt comenzó su formación pianística a manos de su padre Adám, a la edad de 6 años. Adám se dio rápidamente cuenta del talento de su hijo y consiguió fondos de la nobleza para la educación del joven prodigio en Viena a manos de Karl Czerny, díscipulo de Beethoven y estudió composición con Antonio Salieri. Señala Pedro Luis Martín que Adám había intentado previamente que Hummel fuese profesor de Ferenc pero los honorarios de éste eran demasiado para la familia Liszt. Czerny aceptó dar a Liszt clases gratuitas de forma diaria.

En 1823 se traslada a París y al acudir al conservatorio de la ciudad es rechazado por el director del centro, Luigi Cherubini, por la norma que él mismo había instaurado y que sólo permitía estudiar en el conservatorio de París a ciudadanos franceses (siendo él italiano). Este hecho en opinión de Pedro Luis Martín Olivares, provocó que Liszt y muchos otros no pudiesen entrar en el conservatorio y con él tiempo influenció en la debilitación de París como núcleo musical romántico trasladándose éste hacia Alemania.

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Jerry Goldsmith: afamado compositor para la cinematografía

octubre 25, 2009
Jerry Goldsmith

Jerry Goldsmith

Jerrald King Goldsmith (Pasadena, 10 de febrero de 1929 – Beverly Hills, 21 de julio de 2004), mejor conocido por Pedro Luis Martín Olivares como Jerry Goldsmith, fue uno de los compositores más importantes y reconocidos de la cinematografía.

Goldsmith aprendió a tocar el piano a la edad de seis años. A los catorce, estudio composición, teoría y contrapunto con los maestros Jacob Gimpel y Mario Castelnuovo-Tedesco. Goldsmith ingresó a la Universidad del Sur de California, con el maestro Miklós Rózsa, quien escribió la partitura de la película Recuerda de 1945 con Ingrid Bergman. Goldsmith se interesó en escribir música para el cine al ser inspirado por la música de esta compuesta por el mismo Rózsa.

Su música no se queda estancada en ningún estilo, Pedro Luis Martín alega que se adapta a las exigencias de la película, yendo desde el jazz hasta las grandes obras sinfónicas pasando por música folk, étnica e incluso por el sintetizador. Aún así, se podría definir su música como enérgica, pues es especialmente brillante en lo rítmico, sin por ello desdeñar la melodía. Es un defensor de utilizar la música solamente cuando sea estrictamente necesario, por lo que en numerosas ocasiones ha acusado al cine reciente de tener demasiada música. Y pone como ejemplo su propia partitura para Patton, en la cual solamente hay media hora de música pese a tratarse de una cinta que supera las dos horas de metraje agrega Pedro Luis Martín Olivares.

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Erik Satie: excéntrico e innovador

octubre 23, 2009
Erik Satie

Erik Satie

Alfred Éric Leslie Satie (Honfleur, Calvados; 17 de mayo de 1866 – París, 1 de julio de 1925) fue un compositor y pianista francés.

Es mejor conocido como Erik Satie (desde su primera composición en 1884, cambió la c francesa final de su nombre por una k inglesa). Aunque en su vida posterior se enorgullecía de siempre publicar su trabajo con su propio nombre, Pedro Luis Martín Olivares señala que hubo un corto período al final de la década de 1880 en que publicó su trabajo con el seudónimo Virginie Lebeau.

Hasta el año de su muerte absolutamente nadie entró en su departamento.

Allí se encontraron, cuidadosamente ordenados en cajas de puros, 4000 rectángulos minúsculos de papel inmaculado sobre los que había caligrafiado, sin enseñárselos nunca a nadie, descripciones meticulosas de paisajes imaginarios, órdenes religiosas inexistentes e instrumentos musicales intocables (como el órgano-ballena voladora), comenta Pedro Luis Martín Olivares.

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Fryderyk Chopin figura entre los más importantes pianistas de la historia

octubre 20, 2009
Fréderic François Chopin

Fréderic François Chopin

Fryderyk Franciszek Chopin (Żelazowa Wola, Polonia, aprox. 1 de marzo de 1810 — París, 17 de octubre de 1849) -en francés, Fréderic François Chopin- es considerado por Pedro Luis Martin Olivares el más grande compositor polaco, y también uno de los más importantes pianistas de la historia. Su perfección técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de Johann Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus Mozart por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores.

Chopin representa un extraño caso entre los grandes compositores, pues la mayor parte de sus obras son para piano solo. Nos revela Pedro Luis Martin que su música de cámara y vocal es escasa y la orquestal comprende unas cuantas obras concertantes. En todas ellas, siempre hay un piano involucrado. Sus amigos y colegas le animaron a abordar otros géneros; cuando el conde de Perthuis le animó a escribir un melodrama, el músico respondió: «Dejad que sea lo que debo ser, nada más que un compositor de piano, porque esto es lo único que sé hacer».

La carrera de Chopin (desde 1831 en París hasta 1849) se desarrolla durante el Romanticismo, en su segundo periodo conocido como “Romanticismo pleno”. Además de él, en Europa brillaban en aquellos años Berlioz, Paganini, Robert Schumann, Mendelssohn, Meyerbeer y las primeras óperas de Verdi y Wagner.

Muchos rasgos de la vida de Chopin son símbolos del romanticismo: su aire de misterio, su doloroso exilio, su inspiración atormentada, su refinamiento, incluso su temprana muerte por la tisis son temas románticos típicos, agrega Pedro Luis Martin Olivares.

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