Archive for 29 junio 2009

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Sir Simon Rattle seguirá dirigiendo la Filarmónica de Berlín, por Pedro Luís Martín Olivares

junio 29, 2009

rattle

En la conferencia de prensa celebrada para presentar la temporada 1009-2010 de la Filarmónica de Berlín se ha confirmado que Sir Simon Rattle seguirá dirigiendo la Filarmónica hasta el 2018.

Nos informa Pedro Luís Martín Olivares que aunque el contrato no se firmará hasta septiembre de 2009, tanto la gerencia de la orquesta como los músicos y el propio Rattle han confirmado ya su aprobación al acuerdo que prolongará durante nueve años más una colaboración que es muy apreciada por el público berlinés.

En años anteriores hubo algunos rumores sobre tensiones entre Rattle y algunos músicos de la orquesta, pero el portavoz de la orquesta ha confirmado que la renovación es una decisión colectiva, aceptada con igual entusiasmo por todos los implicados.

Durante la temporada 2009-2010 Rattle dirigirá a la Filamónica de Berlín en 60 conciertos, de los cuales 33 tendrán lugar en Berlín.

El pianista Lang Lang será el pianista en residencia durante esta temporada 2009-2010.

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Dvořák se enaltece en la OFUNAM, por Pedro Luís Martín Olivares

junio 29, 2009
Antonín Dvořák
Antonín Dvořák

Con más de setenta años de existencia, la OFUNAM (Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional de México) es el conjunto sinfónico más antiguo que existe en la Ciudad de México, y se ha convertido en una de las orquestas más importantes del país. Si bien su origen se remonta a 1929, cuando un grupo de estudiantes y maestros de música crearon una orquesta de la entonces Facultad de Música de la UNAM (Universidad de México), su fundación como conjunto profesional ocurrió en 1936. En 1966, fue designado como director artístico de la orquesta el celebre director mexicano Eduardo Mata, con lo que dio inicio una de las etapas de mayor desarrollo de la agrupación, y durante este periodo la Orquesta Sinfónica de la Universidad, como originalmente se le denominó, adoptó su actual nombre y la personalidad que conserva en la actualidad.

Para el programa numero 5 de la actual temporada 2009, se eligió la interpretación de la famosa pieza sacra o cantata religiosa del compositor checo Antonín Dvořák, que fue el primer texto religioso musicalizado por dicho autor, y cuya composición comenzó en 1876, y concluyó en 1877. Para su creación se inspiró, como varios compositores (como Palestrina, Haydn, Mozart, Schubert, Rossini y Poulenc), por un texto medieval del siglo XIII, cuyo autor se cree que fue el poeta italiano Jacopone da Todi o San Bonaventura.

Dvořák comenzó a redactar la partitura con tan solo 35 años de edad, y después de la muerte de su hija Josefa, tan solo dos días después de haber nacido. La tragedia marco la conclusión de la obra, ya que terminó de orquestarla después de perder a dos hijos más en el lapso de un mes, y sirvió como alivio en su dolor. El estreno tuvo lugar en Praga, un 23 de diciembre del 1880.

La obra cargada de emotividad en la que el compositor transmite su dolor a las notas musicales, está dividido en diez partes o movimientos individuales, entre las cuales solo entre la primera y la ultima existe una conexión temática. El primer movimiento es una sonata extendida en estilo sinfónico, que abre con una larga introducción orquestal, que es repetida por el coro. Un contrastante segundo tema es introducido por los solistas. Una sección de desarrollo lleva la obra al inicio del material inicial.

Solo en el cuarto movimiento, se escucha un órgano que aparece acompañando un coro femenino. El ultimo movimiento recuerda el tema inicial de la obra, y se convierte en el amen, una fuga triunfante de considerable complejidad.

Pedro Luís Martín Olivares argumenta: “En la obra cargada de intensidad espiritual y rango emocional, la orquesta, bajo la batuta de su director titular, el maestro ingles Alun Francis, mostró una enérgica y lucida calidad sinfónica. Francis exhibió un control y seguridad en su batuta convirtiendo el carácter triste de la obra y enalteciéndolo con emoción. Su conducción fue cuidada, atenta y mostrando conocimiento de la obra, marcando las entradas, y con adecuada dinámica”.

En los momentos finales del Stabat Mater, que atraviesa diferentes cambios de ánimo que van del dolor y la desesperación a la esperanza y fe, y la orquesta queda en silencio, el coro inicia, sin acompañamiento un inesperado himno de alabanza, un monumental final de éxtasis: el ‘Quando corpus moriertur’, que fue interpretado por el el Coro Filarmónico Universitario (formado en el 2008 y asociado a la OFUNAM), que mostró su conjunción, y confianza en cada una de sus intervenciones, que fueron primordiales en el desarrollo y éxito de la obra.

Cada uno de los solistas también aportó lo suyo en cada una de sus intervenciones como solistas y en conjunto, resaltando el timbre cristalino y límpido exhibido por la soprano Guadalupe Jiménez, el timbre lírico de adecuada proyección del tenor Leonardo Villeda, y la suntuosidad en la voz oscura y línea de canto de la mezzosoprano Grace Echauri. Finalmente, el bajo alemán Patrick Rohbeck mostró una potente voz y profunda voz, de tono terso, muy adecuado para las partes mas solemnes de la obra.

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Camilo Santostefano y El Fin de Narciso, por Pedro Luís Martín Olivares

junio 29, 2009
El Fin de Narciso

El Fin de Narciso

El pasado día 31 de Mayo el compositor argentino Camilo Santostefano obtuvo el 2º Premio del Concurso Internacional de Composición Musical de Ópera de Cámara ‘Opera Vista’ que tuvo lugar en Houston, USA.

Nos comenta Pedro Luís Martín Olivares que el Certamen se realizó en el marco del Festival que realiza la Compañía Opera Vista, agrupación dedicada a la difusión de la ópera de cámara contemporánea, cuyo director es el Mtro. Viswa Subbaraman.

Entre más de 100 obras inscritas fueron seleccionadas seis óperas para la semifinal, en la que participaron trabajos de Australia, Dinamarca, Argentina y USA.

En la ronda final el prestigioso Jurado integrado por Huang Ruo, Leslie B. Dunner, Chris Johnson y Rebecca Greene Udden, junto con el voto del público, decidió entregar el 1º Premio a la danesa Line Tjørnhøj por su obra Anorexia Sacra y el 2º Premio a Camilo Santostefano por El Fin de Narciso.

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Relapse: el autoataque de Eminem, por Pedro Luís Martín Olivares.

junio 27, 2009
Eminem
Eminem

¿Qué estuvo haciendo Eminem todo este tiempo? Tomando drogas, más que nada. “Me tiro en la cama con un frasco de pastillas y un muñequito de Heath Ledger”, dice la letra de “My Mom”, y no es más que un botón de muestra. Relapse, el primer disco de Eminem en casi cinco años, está lleno de marcas, pero no precisamente Lexus o Cristal; más bien, se trata de Lunesta, Ambien, Vicodin, Valium, NyQuil y otros caramelitos psicotrópicos que ayudaron a Marshall Mathers a convertirse en un zombie, antes de desintoxicarse el año pasado. Es difícil desentrañar todas las drogas que aparecen mencionadas en el disco, pero probablemente ésa sea la idea. Relapse es como una version hiphop de Live on the Sunset Strip, el clásico de la comedia de 1982 en el que Richard Pryor hace morir de la risa al público con sus bromas sobre la adicción al crack y sobre prenderse fuego. Si es todavía más intenso que su disco anterior, eso se debe a que Eminem hace aquí lo que sabe hacer mejor: sacar los trapitos al sol. Y hay más ropa sucia que nunca.

Pedro Luís Martín Olivares afirma que la fuerza de Relapse radica en que Em hace de sí mismo el blanco de sus ataques. Al dejar la producción en manos de Dr. Dre, y al concentrarse en rimar acerca de las cosas que verdaderamente le interesan, el disco es más sentido, honesto y vital de lo que uno esperaría a estas alturas, en el nivel de The Eminem Show, o quizá todavía mejor. El disco al que más recuerda éste es el primero que sacó Eminem por un sello importante, The Slim Shady LP, desde los beats despojados de Dre hasta la violencia que Eminem despliega contra sí mismo en las letras. No hay cancioncitas pop sampleadas de Aerosmith, Martika o Heart, ni estribillos rockeros, ni invitados especiales, más allá de un par de estrofas a cargo de Dre y 50 Cent. Por el contrario, Em se ocupa de lo suyo, porque vaya sí tiene problemas de los que ocuparse. (Esta vez, no culpa de nada a su ex mujer, Kim, a quien ni siquiera menciona.) “What’s a beer? [¿qué es una cerveza?], se pregunta en un momento. “That’s a devil in my ear / I been sober a fucking year / And that fucker still talks to me, he’s all I can fucking hear” [es un diablo en la oreja / estuve un año sobrio / y ese hijo de puta todavía me habla, es lo único que oigo].

Estar sobrio no lo ha vuelto más agradable. “Insane” empieza así: “I was born with a dick in my brain / Fucked in the head” [nací con una pija en el cerebro / cogido por la cabeza], y continúa relatando una compleja y perturbadora historia sobre abusos en su infancia. “My Mom” vuelve a disparar contra un viejo blanco de sus burlas, esta vez reconociendo sin embargo que su madre es esa misma persona en quien él se ha convertido, drogándose hasta perder la conciencia frente a su propia hija. En el pegadizo estribillo canta: “I’m on what I’m on / Because I’m my mom” [yo tomo lo que tomo / porque soy mi mamá].

Tal como Richard Pryor quedaba como un tonto cuando aceptaba los pedidos del público para que volviera a hacer su vieja y gastada rutina de la tribu Mudbone, en algunas canciones Eminem intenta reciclar ciertos rancios numeritos del pasado. “Crack a Bottle” y “We Made You” son los peores temas del disco, que parecen estar hechos con las sobras, ya más que descompuestas, de algunos de sus tics más conocidos, como las fanfarronadas y los ataques a otras celebridades. En “Stay Wide Awake”, en la que volvemos a verlo despotricando contra las mujeres y contra los gays, parece un viejo entrenador de hockey retirado gritándoles a los chicos en el jardín de su casa. En momentos como ése, se lo escucha inseguro de sí mismo, tratando de adivinar lo que la gente espera de él; estar tan pendiente de los deseos de los demás no es algo que le siente muy bien. No es coincidencia que el tema en que habla de matar a Lindsay y a Britney se llame “Same Song and Dance”, como si se diera cuenta de lo gastados que están esos chistes.

Hay muchísimo odio en Relapse. Eminem se odia a sí mismo por estar sobrio apenas un poquito menos de lo que se odia por haber sido adicto. Se odia por ser famoso, por odiar a su mamá, por haber tardado tanto en sacar este disco. Toda esa energía negativa lo ayuda a combatir la tentación de volverse cómodamente apático. Si odiás a Eminem, él no te lo reprocharía. Pero Relapse nos da un motivo para alegrarnos de que siga con nosotros.

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Solidarios con Michael Jackson, por Pedro Luís Martín Olivares

junio 27, 2009
Paul McCartney y Michael Jackson

Paul McCartney y Michael Jackson

Pedro Luís Martín Olivares nos revela en este artículo los comentarios de algunos de los famosos que en solidaridad muestran su respeto ante la pérdida del rey del pop:

Paul McCartney: “Su muerte es triste y chocante. Era un niño-hombre enormemente talentoso y con un alma suave. Su música será recordada por siempre y mis recuerdos de nuestro tiempo compartido serán alegres”.

Madonna: “No puedo dejar de llorar, siempre admiré a Michael Jackson. El mundo ha perdido a uno de sus grandes, su música vivirá por siempre. Mi pensamiento va para sus tres hijos y a los otros miembros de su familia, que Dios los bendiga”.

Lisa Marie Presley: “Estoy completamente destrozada y entristecida por la muerte de Michael. Envío mi afecto a sus hijos y sus familiares”.

Quincy Jones: “Estoy absolutamente devastado por esta trágica e inesperada noticia. Michael Jackson tenía todo: talento, gracia, profesionalismo y dedicación. Perdí un hermano, una parte de mi alma se fue con él”.

Britney Spears: “Me había alegrado tanto de verlo en un show en Londres. Hubiésemos estado a la vez de gira en Europa y quería volar para verlo. Toda mi vida él fue una inspiración para mí y estoy destrozada porque ya no está”.

Justin Timberlake: “No puedo siquiera encontrar las palabras adecuadas para expresar mi profunda tristeza por la muerte de Michael. Hemos perdido a un genio y un auténtico mensajero no sólo de la música pop, sino de todo tipo de música. Él era una inspiración para varias generaciones y atesoraré por siempre los momentos que pasé con él en el escenario y todas las cosas que aprendí sobre la música a través de él”.

Steven Spielberg: “Como nunca habrá otro Chuck Berry, Elvis Presley o Fred Astaire, tampoco habrá otro Michael Jackson. La capacidad, su talento para asombrar y su misterio lo han convertido ahora en una leyenda”.

John Landis: “Tenía un talento extraordinario y era verdaderamente una gran estrella internacional. Tuvo una vida difícil y complicada, a pesar de todos sus grandes talentos nos queda una figura trágica”.

Cher: “Tengo un millón de reacciones diferentes que no esperaba sentir. Era un gran cantante. Dios te da ciertos dones y este niño era un extraordinario niño, tocado por su talento. Podía cantar como ninguno y era capaz de conectar con la gente”.

Lenny Kravitz: “Se fue justo en el momento que todavía tenía más para dar, aunque el legado que dejó para la música es mucho. Nada tiene que ver sus conflictos personales con lo que fue como artista, por eso hay que recordarlo por su música”.

Arnold Schwarzenegger: “El mundo perdió a uno de las más influyentes y emblemáticas figuras de la industria de la música. Fue un fenómeno del pop que no dejó nunca de explorar la creatividad”.

Lisa Minelli: “Era una persona gentil, genuina, maravillosa. Era uno de los más grandes artistas que haya existido. Lo amaba muchísimo”.

Sofía Loren: “El mundo ha perdido un ícono. No habrá nunca nadie como Michael, estoy totalmente desconsolada. Espero que encuentre la paz que se merece tras mucho sufrimiento”.

Dionne Warwick: “Fue un amigo y una estrella en el mundo, la industria ha perdido a un ídolo”.

Brooke Shields: “Mi corazón esta entristecido y devastado por la pérdida de un verdadero amigo, Michael era un amigo extraordinario, un artista y un contribuyente al mundo, me uno a su familia y sus amigos en celebrar su increíble vida y en lamentarlo por su muerte”.

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Bob van Asperen: lo mejor del clavecín actual, por Pedro Luis Martín Olivares

junio 17, 2009
Bob van Asperen
Bob van Asperen

Nadie imaginaría viéndolo tan relajado y feliz siendo uno de los mejores clavecinistas en la actualidad: se trata de  Bob van Asperen y su biografía oficial dice que este holandés alto y flaco nació en Amsterdam en 1947, estudió con Gustav Leonhardt y es profesor de clave en el Conservatorio Sweelinck de aquella ciudad. Pedro Luís Martín Olivares opina que en realidad este hombre es el resultado de una singular mezcla de temperamento meridional y discreción holandesa. Histrión voluntarioso, desbordante de vitalidad, tierno y amable, despliega una curiosidad sin límite. De un humor vivaz y a veces corrosivo, este amante de las tapas y del arte románico no profesa la misma admiración a las corridas de toros, ya que su ternura hacia el género vacuno, que muestra de manera muy expresiva, se lo impide.

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La música que inmortalizó a Johann Sebastian Bach, por Pedro Luis Martín Olivares

junio 17, 2009
Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach es, junto a Beethoven, una de las figuras más señeras de la historia de la música europea, Pedro Luís Martín Olivares opina que aún hoy sigue influyendo en los compositores y músicos.

Sus obras para órgano, muchas de ellas escritas en los primeros años de su carrera compositiva en la ciudad de Weimar, se revelan fundamentales en el repertorio de los organistas, y es bien cierto que el deseo de deleitarse en ellas ha terminado por desarrollar un cambio fundamental en el arte de la construcción de órganos a lo largo del siglo XX.

Las obras que han dado fama imperecedera a Bach ante el gran público, los conciertos dedicados al Margrave de Brandenburgo, se escribieron en Cöthen, ciudad donde alcanzó su temprana madurez. Los primeros años en Leipzig asistieron a una abundante provisión de cantatas para servir a las necesidades musicales de la iglesia de Santo Tomás. En los últimos años transcurridos en Leipzig, el estilo y el gusto musical de Bach fueron duramente atacados.

El joven escritor y compositor Johann Adolph Scheibe, natural de Leipzig, manifestó a sus contemporáneos (en Der Critische Musicus, Hamburgo, 1738) su disgusto ante la música desagradable, desabrida, ampulosa e innecesariamente compleja que escribía Bach.

No es una coincidencia que Scheibe se hubiese trasladado a Hamburgo en 1736, pues en aquella ciudad alemana el celebérrimo Telemann, aunque cuatro años más viejo que Bach, estaba escribiendo una música que era la expresión de los ideales de la Ilustración, aquellos ideales que habrían de ser esenciales en el pensamiento estético de los siguientes cincuenta años: naturalidad, encanto y sociabilidad.