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En un día como hoy se fundó la orquesta Los Melódicos

julio 15, 2010

Orquesta los Melodicos

La orquesta Los Melódicos, fundada el 15 de julio de 1958 por Renato Capriles, surge como alternativa a raíz de la desaparición en aquel momento de la orquesta Billo’s Caracas Boys de hecho arranca en su mayoría con arreglos hechos especialmente para Los Melódicos por el maestro Billo Frómeta.

La Orquesta Los Melódicos, con 18 músicos, debuta en “Su Revista Musical”, programa que semanalmente era transmitído por Radio Caracas Televisión y el cual sirvió de trampolín para que la orquesta se presentara en los mejores sitios de Caracas.

Por la orquesta Los Melódicos ha pasado un gran número de cantantes entre los cuales podemos nombrar además de Victor Piñero y German Vergara quienes fueron sus primeros vocalistas a Niro Keller, Chucho Labrador, Norma López, Emilita Dago, Manolo Monterrey, Rafa Galindo, Willy Quintero, Oscar Santana, Lee Palmer, Chico Salas, Doris Salas, Perucho Navarro, Molly Dick, Tino Rodríguez, Cheo García, Gustavo Farrera, Argenis Carruyo, Roberto Antonio, Iona, Ildemaro entre otros.

Los Melódicos en su extensa trayectoria ha sido merecedora en repetidas ocasiones de numerosos premios otorgados tanto en Venezuela como en el exterior y ha recibido el título de “la orquesta que impone el ritmo en América”.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

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En un día como hoy falleció Joaquín Rodrigo

julio 6, 2010

Joaquín Rodrigo

Joaquín Rodrigo nace en Sagunto el 22 de noviembre de 1901, día de Santa Cecilia, patrona de la Música. A los tres años de edad, pierde la vista como consecuencia de una epidemia de difteria.

A los ocho años inicia, en Valencia, los estudios musicales de solfeo, violín y piano. Después, armonía y composición con los maestros Francisco Antich, Enrique Gomá y Eduardo Chavarri. Sus primeras composiciones datan de 1923.

En 1927, se traslada a París e ingresa en la Escuela Normal de Música para estudiar composición con Paul Dukas, quien demuestra una especial predilección hacia su discípulo. Pronto se da a conocer como pianista y compositor en los ambientes musicales parisinos y entabla amistad con Ravel, Milhaud, Honneger, Stravinski y Manuel de Falla.

En 1933 contrae matrimonio con la pianista turca Victoria Kamhi, quien es desde entonces hasta su fallecimiento en julio de 1997, compañera inseparable y su más asidua colaboradora.

En 1940 tiene lugar en Barcelona el estreno mundial del Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta, primera de sus obras que le daría fama universal y claro ejemplo de su personalidad. Rodrigo se mantiene fiel a una estética que él mismo gustaba denominar “neocasticismo”, practicando la tradición tonal, el gusto por las formas clásicas e incorporando elementos cultos como forma de unión entre la tradición española y el presente, creando ese estilo reconocible de inmediato. Conoce las más modernas estéticas europeas, pero afirma su propia personalidad.

La música de Joaquín Rodrigo representa un homenaje a las distintas culturas de España ya que se vale, como fuente de inspiración, de las más variadas manifestaciones del alma de su país, desde la historia de la España romana hasta los textos de los poetas contemporáneos. Ha enriquecido todos los géneros, pero quizás sea el compositor de nuestro siglo a quien más debe la estética del concierto. Ha cultivado especialmente la canción, a la que ha dado un lenguaje nuevo y universal, creando obras maestras como Cántico de la esposa o los Cuatro madrigales amatorios. Sus obras para piano solo bastarían para situarlo en primera línea, pero además su creación instrumental abarca importantes composiciones para violín, cello, y flauta. Hay que destacar además la aportación de Joaquín Rodrigo al repertorio para guitarra, que ha sido definitiva, pues ha logrado su dignificación e internacionalización como instrumento de concierto.

Desde el año 1940 las distinciones, honores, homenajes y Festivales se han venido sucediendo ininterrumpidamente. Miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (1950) y de otras academias, así como Doctor Honoris Causa por diversas universidades de España y del Extranjero, recibió, entre otros galardones, la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio (1953), la Legión de Honor concedida por el Gobierno francés (1963), la Gran Cruz del Mérito Civil (1966) el Premio de la Fundación Guerrero (1990), y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1996).

En 1991 el Rey Juan Carlos I le otorgó el título nobiliario de Marqués de los Jardines de Aranjuez “por su extraordinaria contribución a la música española a la que ha aportado nuevos impulsos para una proyección universal”.

Joaquín Rodrigo falleció en Madrid el 6 de julio de 1999 rodeado de su familia.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

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Simon Rattle elogia a la Orquesta Sinfónica Infantil de Venezuela

julio 6, 2010

Simon Rattle con la Orquesta Sinfónica Infantil de Venezuela

El director de la Filarmómica de Berlín, Simon Rattle, comprobó con su batuta el brillo del laureado sistema de orquestas infantiles venezolano, al dirigir un concierto en Caracas de la Orquesta Sinfónica Infantil de Venezuela en una repleta Aula Magna de la Universidad Central.

El concierto realizado ayer en la noche comenzó con la “Obertura Cubana” de George Gershwin y terminó con la pieza “Mambo” de Leonard Berstein, y durante hora y media los casi 400 niños músicos hicieron transpirar y emocionar al afamado director.

El semillero musical, niños de entre ocho y 13 años, mostró el futuro sinfónico de Venezuela con una magistral interpretación de la sinfonía número 1, “Titán en re mayor”, de Gustav Mahler, que hizo que Rattle instara al público a ofrecer una ovación de pie a los jóvenes intérpretes.

“Es la primera vez que vengo a Venezuela y es como si hubiera estado antes”, dijo el conductor titular de la Filarmónica de Berlín desde 2002, quien vino a Caracas para dirigir el concierto.

Con una camisa y pantalones negros, que contrastaban con su cabello blanco alborotado, Rattle tuvo gestos de aprobación para los músicos, abrazó a los principales flautistas y hasta “chocó” las manos con otros que lo veían con veneración.

Simon Rattle con la Orquesta Sinfónica Infantil de Venezuela

En la primera fila en el Aula Magna estaba el fundador de sistema de orquestas juveniles, Antonio Abreu, junto con Gustavo Dudamel, el laureado director venezolano fruto de proyecto musical.

Tras el concierto, Rattle se dirigió a Abreu, le dio la mano, que éste besó y Rattle besó la mano del maestro venezolano, cuyo proyecto ha recibido incontables reconocimientos mundialmente.

En la despedida, tras prolongados aplausos, Rattle salió frente al público con una chaqueta con los tres colores de la bandera de Venezuela con la que estaban uniformados los jóvenes músicos, diciendo que era uno más de ellos.

Rattle realizó una audición en marzo pasado en Caracas para seleccionar a los integrantes de la Sinfónica que ahora debutaron bajo su dirección.

“Lo que sucede aquí es un milagro. Venezuela tiene un auténtico tesoro musical. Es increíble el talento que tienen estos niños”, señaló.

En la tarima, con una multitud llena de sueños, el director supo estimular a los músicos para que siguieran adelante, pidiéndoles que se levantaran para recibir los aplausos de un público mayormente conformado por sus padres y familiares.

En la pieza “Mambo”, los muchachos hicieron vibrar al público, haciendo la “ola” mientras tocaban frente a sus partituras.

A la salida, los niños explicaron que tuvieron sesiones de ensayo con el director entre miércoles y domingo, suficientes para captar sus señales.

“Estuvimos ensayando desde el miércoles. Uno aprende mucho”, dijo Ariana Galíndez, quien toca el clarinete, antes de tomar el autobús de regreso a casa.

Simon Rattle con la Orquesta Sinfónica Infantil de Venezuela

Los organizadores dijeron que la interpretación de “Titán” era un reto que dibuja una de las aspiraciones máximas en el programa de formación permanente del Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela.

Dudamel elogió la capacidad del nuevo semillero: “estos niños son una promesa musical”.

“En nada se parece al repertorio que hoy ensaya esta orquesta al que se trabajó cuando yo tenía 12 años y formaba parte de la Infantil. Las interpretábamos cuando ya teníamos cuatro años de constituidos”, señaló.

El sistema de orquestas juveniles fue creado en los años de 1970 por Abreu y representa un proyecto cultural de continuidad única en el país.

El progama fue concebido para darle a los jóvenes oportunidad de desarrollarse en ese campo, explorando sus talentos musicales como forma para combatir la pobreza.

Por su desarrollo, Abreu ha recibido numerosos reconocimientos, incluyendo el premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2008. También el sistema ha sido modelo para proyectos similares en otros países.

En las audiciones realizas en marzo para escoger a los nuevos integrantes la Orquesta Sinfónica Nacional Infantil participaron 4.000 niños.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

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Polonia se pone de pie ante la Sinfónica Simón Bolívar

junio 24, 2010

Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar

El compositor y director Kryztof Penderecki es un hombre de talante sobrio. Varias experiencias musicales en Venezuela, o con venezolanos en otros países, han hecho que cambie esa sobriedad por una emoción al filo de la palabra desborde. Este domingo 20 de junio, volvió a sucederle. Se cumplió uno de sus más grandes anhelos: llevar a la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar y a Gustavo Dudamel a Polonia, su país, pero además sus ojos se pusieron de un cristalino delatador cuando escuchó a José Antonio Abreu anunciar la creación, el año que viene, del primer “Festival Sinfónico Coral Kryztof Penderecki”

Después de un concierto en el Gran Teatro Nacional de la Ópera de Varsovia, en el que los venezolanos lograron levantar de sus asientos a un público tan exigente que se ha llegado a ir de la sala sin aplaudir, el maestro Abreu señaló: “Vinimos a saludar al pueblo y a la juventud de Polonia y a saludar a este excelentísimo maestro (Refiriéndose a Penderecki) de la música contemporánea, que ha dado a nuestros muchachos el regalo inconmensurable de su arte”.

Agasajo en el Gran Teatro Nacional de la Ópera de Varsovia

“En consecuencia no hay palabras para agradecer suficientemente al maestro. Por eso, el próximo año tendremos en nuestro país un encuentro sinfónico coral sin precedentes: el Festival Penderecki de Venezuela, donde participarán nuestros niños, jóvenes y maestros para rendirle un merecido tributo. En el festival, que será extensivo a toda Latinoamérica e Iberoamérica vamos a ejecutar varias obras del maestro, en espacial una que está escribiendo en homenaje a Chopin y que será un honor cantar”, agregó el maestro Abreu.

En la primera parte tocaron repertorio latinoamericano integrado por Margariteña de Inocente Carreño y Danzas del Ballet Estancia, de Alberto Ginastera, que han venido interpretando en la gira Europa 2010. Por primera vez en Polonia se escuchó el Mambo de Leonard Bernstein, que los espectadores recibieron con furor, luego de haber escuchado tres bis.

Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar

Los venezolanos el sábado 19 de junio a Polonia y este lunes 21, a primera hora, estarán montados en un vuelo que los llevará Grecia, específicamente a Atenas donde ofrecerán cuatro conciertos, uno de la orquesta, otro del Ensamble de Metales y otros dos a cargo del Ensamble de Flautas Simón Bolívar y el Cuarteto de Cuerdas Simón Bolívar.

El jueves 24 de junio participarán en el Festival de Música y Danza de Granada, última parada de la gira que ha llevado el nombre de Venezuela a otras ciudades como Gotemburgo y Estocolmo (Suecia), Oslo (Noruega), San Petersburgo y Moscú (Rusia).

Por: Pedro Luis Martín Olivares

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Josh Groban: el gran barítono de la nueva generación

junio 24, 2010

Josh Groban

Joshua Winslow Groban (Los Ángeles, 27 de febrero de 1981) es un cantautor y barítono estadounidense.

Su padre tiene ascendencia judía rusopolaca y se convirtió al cristianismo para casarse con su madre de ascendencia noruega. Tiene un hermano nacido el mismo día que él, pero cuatro años después.

Debutó como cantante en séptimo grado del colegio y entre 1997/98 asistió al centro Interlochen Arts Camp siguiendo cursos de teatro musical, y a Los Angeles County High School for the Arts. Además, en 1998 conoció a su mentor David Foster (productor, escritor, arreglista y ganador de múltiples premios Grammy). Más tarde, se licenció en arte dramático en la Universidad Carnegie Mellon y un año después lo contrató Warner Bros. Records gracias a David Foster.

Poco después interpretó «There For Me» con Sarah Brightman y «For Always» con Lara Fabian para la película «Inteligencia Artificial». Asimismo, comenzó a participar en numerosos espectáculos benéficos como «The Andre Agassi Grand Slam Event For Children», junto a Elton John, Stevie Wonder, Don Henley y Robin Williams, The Corrs o Ronan Keating; «Muhammad Ali’s Fight Night Foundation»; «The Family Celebration» (2001) para la lucha contra el cáncer; e hizo una incursión en la televisión en un capítulo de Ally McBeal.

Su primer disco salió en 2001, Josh Groban y el año siguiente consiguió un disco de oro. En febrero de 2002, actuó en la ceremonia de clausura de los juegos olímpicos de invierno con «The Prayer» con Charlotte Church; en noviembre de este año apareció en un especial en la PBS y en diciembre cantó en el concierto del premio Nobel de la paz en Oslo y en el Vaticano para el concierto de navidad. Noel fué el disco más vendido del 2007 con más de 3.500.000 copias.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

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En un día como hoy nació Richard Strauss

junio 11, 2010

Richard Strauss

Richard Strauss fue un compositor alemán nacido en Munich en el año 1864 y falleció en Garmisch-Partenkirchen en 1949. Ocupa un lugar de gran relieve en la historia musical de nuestro tiempo, en la que representa las postreras ramificaciones del romanticismo. Hijo de un solista de la orquesta de la ópera de Munich, empezó a aprender música a los cuatro años de edad. A los siete años escribía sus primeras composiciones. En 1875 tomó sus primeras lecciones de composición de W. Meyer. Desde 1874 a 1882 cursó la segunda enseñanza y luego se matriculó en la Universidad.

Hans von Bülow le llamó en 1885 para colaborar con él en la dirección del teatro de corte de Meiningen. Allí trabó amistad con A. Ritter, que ejerció una influencia decisiva en el joven músico y le convirtió al arte de Liszt y de Wagner. En 1886, después de un viaje a Italia, Strauss fue nombrado director adjunto de la ópera de Munich. Durante aquellos años compuso numerosos lieder y los poemas sinfónicos Macbeth y Don Juan. De 1889 a 1894 fue director de orquesta en el teatro de Weimar; de esta época datan el poema sinfónico Muerte y transfiguración y su primera obra teatral: Guntram.

Después de viajar por Grecia, Egipto y Sicilia (1892-93), Strauss fue sucesivamente director de la Ópera de Munich y de la de Berlín (1898-1919). Sus notables poemas sinfónicos ya le habían dado celebridad cuando afirmó con Salomé su concepción “sinfónica” de la obra teatral, que ilustró con producciones posteriores. Strauss, que como director de orquesta triunfó en las grandes capitales del mundo entero, fue codirector de la ópera de Viena desde 1919 a 1924. Pasó sus últimos años en Garmisch, donde murió.

Por: Pedro Luis Martín Olivares

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La mayor autoridad musical: el director de orquesta

junio 11, 2010

Director de orquesta

El título de director de música es utilizado por muchas orquestas sinfónicas para designar al director principal y al líder artístico de la orquesta. Este título es empleado principalmente en Norteamérica y Asia. En Europa son más comunes los títulos de “director principal” o “primer director”.

En el teatro musical, el director de música está a cargo de toda la interpretación musical, eso incluye que debe asegurarse de que el elenco conozca la música a la perfección, de supervisar la interpretación musical de los intérpretes y del foso de la orquesta, y por supuesto de dirigir la orquesta.

En el siglo XX, el título y la posición conllevan una influencia casi ilimitada sobre los asuntos particulares de la orquesta. Como el nombre lo indica, el director de música no sólo dirige los conciertos, sino que también controla qué música interpretará la orquesta durante una grabación, y tiene la suficiente autoridad como para contratar, despedir y tomar cualquier otra decisión concerniente al personal de los músicos de la orquesta.

Este calificativo se volvió bastante común en los Estados Unidos a mediados del siglo XX, y a este le siguieron otros títulos. Los tempranos líderes de orquesta eran designados simplemente como el “director”.  Recordemos al célebre Herbert von Karajan que dirigió durante muchos años la filarmónica de Berlín o a Colin Davis, George Solti o John Eliot Gardiner en Londres.

El término director musical comenzó a ser utilizado a partir de 1930, en orden de esbozar el hecho de que la persona en dicha posición estaba haciendo mucho más que sólo dirigir, y para diferenciarlo de los directores invitados quienes simplemente dirigían un programa en particular o un concierto.

George Szell, por ejemplo, fue designado como director musical de la Orquesta de Clevelan en 1946, y este título se mantuvo hasta su muerte en 1970. En cambio, su sucesor Lorin Maazel, tomó el título de “director de música”.

Otras grandes orquestas americanas, de las cuales uno de los más grandes directores es Michael Tilson Thomas, se volvieron más actuales y comenzaron a utilizar este término a partir de las décadas de los 50s y los 60s. Alternativamente, “director de música” solía aparecer en los créditos de las películas para referirse al profesional contratado para supervisar y dirigir la música seleccionada para una película o un documental musical, pero hoy en día el término empleado es supervisor musical. La expresión “director de música” para una producción teatral o un musical de Broadway sirve usualmente para referirse tanto al pianista como al director.

Por: Pedro Luis Martín Olivares